Living in the Past ("Viviendo en el pasado") es un álbum doble pseudo-recopilatorio que reúne una serie de singles, caras B y temas inéditos hasta esa fecha del grupo inglés de rock progresivo Jethro Tull.

El álbum tomó su nombre del single homónimo, Living in the Past, publicado en 1969 e incluido, a su vez, en esta recopilación.

El disco se presentaba en una elaborado estuche que contenía un gran cuadernillo con más de 50 fotos de la banda (las posteriores reediciones en CD sólo incluyeron una pequeña parte de las mismas) y cuya cubierta ha pasado a ser una de las más famosas de la banda (junto a las de Aqualung y Thick as a Brick.

Además de los singles recopilados, dos temas, "By Kind Permission of" y "Dharma for One", fueron grabados en vivo en el Carnegie Hall, en una actuación el 4 de noviembre de 1970. El resto de los temas de esta actuación serían recogidos, años después, en el disco dos del box set The 25th Anniversary Boxed Set (1993).

Las diferencias en la elección de los temas publicados entre la versión británica y la estadounidense del disco dieron origen a nuevas versiones en CD, dependiendo del sitio de origen. Una reedición en CD de 1994 omitió varias canciones ("Bourée" y "Teacher", por ejemplo), para reducir la duración total y poder editarlo en un solo disco. También hay diferencias según los países de publicación.

Una nueva edición en dos discos de Mobile Fidelity Sound Lab contiene todas y cada una de las canciones del disco original, incluidas aquellas que fueron añadidas más tarde en distintas ediciones nacionales.

El álbum llegó a alcanzar el tercer puesto en las listas de Billboard y fue disco de oro al poco de publicarse.

El tema que da nombre al disco fue el primer Top 40 de la historia de la banda en los Estados Unidos.

Por otra parte, el tema "Witch's Promise" había sido el primer single en estéreo de la historia, aunque el primer LP en estéreo había sido Sgt. Pepper's, de los Beatles, publicado antes.

El disco.......https://www.youtube.com/watch?v=din0-BRBBpg&list=PLfGibfZATlGrCill8xZZ0Ivb3QpvsHU04&ab_channel=JethroTull-Topic

Yessongs es el primer álbum en vivo de la banda de rock progresivo Yes. Es considerado el mejor álbum en vivo de toda la era progresiva en los años 70.

El álbum, un set de tres LP (posteriormente lanzado en dos discos compactos) documenta la gira Close to the Edge, aunque incluye dos canciones de la gira de Fragile. Las dos canciones de la gira Fragile, que son "Perpetual Change" y "Long Distance Runaround/The Fish (Schindleria Praematurus)" son las únicas interpretaciones que incluyen al baterista original de la banda, Bill Bruford. En todas las demás quien acompaña a Yes es Alan White, puesto que Bruford abandonó la banda antes de esta gira. Además, fue sacado también para brindarle soporte a la carrera de solista de Rick Wakeman.

El álbum contiene las mejores canciones de la banda, a partir de The Yes Album, por lo que también es considerado virtualmente como un álbum de grandes éxitos en vivo. Todos los integrantes de la banda tienen un espacio solo, a excepción de Jon Anderson y Alan White. Bill Bruford tiene un espacio solo cerca del final de "Perpetual Change", Steve Howe toca solo en "Mood for a Day", Rick Wakeman interpreta un medley de partes tomadas de su disco debut como solista, The Six Wives of Henry VIII, y Chris Squire tiene su espacio en "The Fish (Schindleria Praematurus)".

Con respecto a las interpretaciones, si bien algunas son muy similares a las versiones de estudio, otras (como "Perpetual Change" o "Starship Trooper", por citar dos ejemplos) son superiores y revelan la potencia de la banda en sus actuaciones en vivo.

CD 1.......

https://www.youtube.com/watch?v=La_fgpEnE6g

CD 2......

https://www.youtube.com/watch?v=SK9dKB-GuFE

Thick as a Brick (literalmente «denso como un ladrillo», vieja expresión inglesa equivalente a la actual full of shit, «lleno de mierda»), es un álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Jethro Tull, que fue lanzado en 1972.
El álbum se caracteriza por estar compuesto por una única canción (como el posterior álbum A Passion Play), dividida en dos partes (correspondientes a cada una de las caras de los discos de vinilo de la época). La letra, supuestamente, se basa en un poema escrito por un ficticio niño precoz  llamado Gerald Bostock, alias Little Milton. A pesar de estar dividida en dos partes, la unión nunca se rompe. En realidad, el efecto de «viento» que se escucha al final de la primera parte continúa en la segunda.
Las cubiertas y el interior del disco de vinilo fueron diseñados imitando un diario de un pequeño pueblo, el St. Cleve Chronicle & Linwell Advertiser, en el cual se incluye la letra de la canción y diversas noticias y pasatiempos típicos de un diario. La versión en CD quitó varios de esos pasatiempos, como la de «une los puntos».
El álbum surgió como una reacción a lo que la crítica especializada opinaba sobre su anterior trabajo, Aqualung al que habían catalogado de álbum conceptual. 
Ante estas afirmaciones, Ian Anderson respondió en una entrevista: «Si los críticos quieren un álbum conceptual, les daremos un álbum conceptual». Anderson también ha dicho que «el álbum fue una parodia a los álbumes de Yes y Emerson, Lake & Palmer, así como la película Airplane! con Airport».
La fórmula fue exitosa y el álbum llegó a alcanzar el primer puesto en la lista de ventas en Estados Unidos, y el quinto lugar en Inglaterra.
El estilo de la obra podría calificarse de «sinfónico». La estructura musical de varios de los temas que van emergiendo cíclicamente es más propio de una sinfonía que del rock. El número de instrumentos que van interviniendo, progresivamente, a lo largo de todo el tema de 43 minutos se hace incontable, incluyendo, aparte de los instrumentos tradicionales en el rock, xilófonos, órganos Hammond, violines e, inevitablemente, la flauta de Anderson; sin embargo, este disco, a diferencia de los anteriores, incluye como instrumento casi principal a los teclados, lo cual le da aún más fuerza al estilo progresivo, a diferencia de sus anteriores trabajos

El disco.............

http://www.dailymotion.com/video/x4kl0fn

(James Marshall Hendrix; Seattle, EE UU, 1942 - Londres, 1970) Guitarrista estadounidense de rock. Según la discografía oficial, tiene unos veinte discos editados, si bien tan sólo publicó tres en vida: Are you Experienced? (1967), Bold as Love (1967) y Electric Ladyland (1968). Sin embargo, su genio y originalidad han perdurado de tal modo que cuarenta años después de su fallecimiento sigue siendo el referente principal de los grandes guitarristas. Desarrolló la técnica y los efectos de la guitarra eléctrica hasta dotarla de una entidad propia, mediante la saturación de sonido en los amplificadores y el uso del pedal wah-wah para generar efectos sonoros.

De formación autodidacta, Jimi Hendrix empezó a tocar la guitarra a los 12 años. Tras una pausa para servir en el ejército norteamericano, hizo sus primeros pasos en el blues a principios de los 60, y trabajó como músico para artistas del soul y el rhythm and blues como B.B. King, Sam Cooke, Jackie Wilson y el dúo Ike & Tina Turner. En 1964 formó en Nueva York su primer grupo y compuso algunas canciones; por aquel entonces fue descubierto por Chas Chandler, el bajista del grupo The Animals, quien lo invitó a actuar en Inglaterra.

Hendrix encontró el éxito en el Reino Unido, durante la gira que entre 1966 y 1967 realizó con su grupo The Jimi Hendrix Experience, un trío que completaban Noel Redding y Mitch Mitchell. Temas como Purple Haze, The Wind Cries Mary y Hey, Joe coparon de inmediato las listas inglesas de superéxitos. A su regreso a Estados Unidos se convirtió en un mito gracias a sus memorables actuaciones en los festivales de Monterrey (1967) y Woodstock (1970).

Su adición a las drogas y el alcohol acabó por ocasionarle la muerte prematura: falleció en septiembre de 1970, a los veintisiete años de edad, como consecuencia de una sobredosis de barbitúricos. Sin necesidad de la mitificación que conllevó su desaparición en el apogeo de su carrera, hay unanimidad entre los críticos musicales a la hora de juzgarlo como el más grande guitarrista de la historia del rock.

Enlace a alguno de sus temas............

https://www.youtube.com/watch?v=TLV4_xaYynY&list=PLMKA5kzkfqk2GEImRCIqGqWmQvKYygUhG

James Chambers (nacido el 1 de abril de 1948 en St. James, Jamaica), más conocido por su nombre artístico, Jimmy Cliff, es un músico de reggae jamaicano, famoso por canciones como «Sittin' in Limbo», «You Can Get It If You Really Want», «Many Rivers to Cross», «I Can See Clearly Now» (su versión de la canción de Johnny Nash), «Samba Reggae» y por la película The Harder They Come, cuya banda sonora ayudó a introducir el reggae en los mercados de buena parte del mundo.

La carrera de Jimmy Cliff se propagó después de dos sencillos que no lograron hacer mucha impresión, luego que su disco Hurricane Hattie se convirtiera en un éxito; fue producido por Leslie Kong, quien fue productor de Cliff hasta su muerte.

Otros éxitos posteriores incluían a «King of Kings» y «Pride and Passion», los cuales nunca se vendieron bien fuera de Jamaica. En 1964, Cliff fue elegido como uno de los representantes jamaicanos para la feria mundial de ese año. Tardó poco en firmar con Island Records y se trasladó a Reino Unido. Debutó internacionalmente con el álbum Hard Road to Travel que recibió excelentes críticas e incluía el tema «Waterfall», que fue todo un éxito.

«Waterfall» fue seguido de «Wonderful World, Beautiful People» y «Vietnam», ambos muy populares en buena parte del mundo. El cantautor Bob Dylan se refirió a «Vietnam» como la mejor canción de protesta que había oído.

La banda sonora de The Harder They Come (una película reggae que también protagonizó Cliff) fue un éxito de ventas, pero no catapultó a Cliff a la fama. Tras una serie de álbumes, Cliff se tomó un descanso y viajó a África, explorando la espiritualidad de su nueva fe musulmana, a la que se había convertido. Tardó poco en volver a la música, de gira durante varios años antes de grabar con Kool & the Gang el álbum Power & the Glory (1983). El siguiente álbum, Cliff Hanger (1985) ganó un Grammy, siendo su mayor éxito en los Estados Unidos hasta 1993. Continuó vendiendo bien en Jamaica y, en menor medida, en el Reino Unido, volviendo a la fama de nuevo con una versión de la canción de Johnny Nash, «I Can See Clearly Now», para la banda sonora de la película Cool Runnings de 1993.

En 2002, Cliff presentó su nuevo disco en Europa, Fantastic Plastic People. En este trabajo hay colaboraciones de Joe Strummer, Annie Lennox, y Sting, así como nuevas canciones muy evocadoras de los viejos éxitos de Cliff. En 2004, Cliff da un giro a su música introduciendo ritmos electrónicos, para su álbum Black Magic. Participó en los Juegos de la Mancomunidad de 2002. En 2003, su canción «You Can Get It If You Really Want» fue incluida en la banda sonora de Something's Gotta Give.

Sus Exitos................
https://www.youtube.com/watch?v=Im8e2DpLI2g

https://www.youtube.com/watch?v=gMmqcZmKk4U&list=PLQDUycv5GbB6a1T7kOT23A8BSOqoab2lQ

Santa Esmeralda fue un grupo de música disco franco estadounidense, formado en los años 1970. Fueron conocidos por sus remakes de éxitos disco de los años 1960 como Don't Let Me Be Misunderstood y House of the Rising Sun. El grupo incluía al cantante Leroy Gómez, desde 1977 hasta 1978 y el cantante Jimmy Goings de partir de 1978 hasta 1983, cuando el grupo se disolvió.
Santa Esmeralda se formó en 1977 por los productores franceses Nicolas Skorsky y Jean Manuel de Scarano, compositores que habían lanzado su propio sello, con el objetivo de producir nuevos artistas. Al encontrarse con el cantante Leroy Gómez en París, el dúo lo reclutó para grabar el tema "Don't Let Me Be Misunderstood", realizado con el sello independiente francés, Fauves Puma. El disco fue un enorme éxito en Europa y fue adquirido para su distribución en todo el mundo por Casablanca Records, el sello por excelencia de la era Disco.

Enlace a su música............

 https://www.youtube.com/playlist?list=PLD6E95D04D6A9341B

The Platters (formado en Los Ángeles en 1953 y disuelto a finales de los años 1960) fue un grupo musical estadounidense de rhythm and blues y doo wop compuesto por cinco cantantes (cuatro hombres y una mujer).

The Platters iniciaron su carrera artística en Los Ángeles como grupo de doo wop, aunque con una identidad muy débil como para hacerlos destacar sobre el resto. Sus primeras grabaciones las hicieron para Federal, un sello subsidiario de King Records (de Cincinnati). Estas primeras grabaciones no se parecen en nada a las que más tarde les harían famosos, en tanto que simplemente imitaban las corrientes y estilos del momento, sobre todo las vinculadas al R&B. Lo que cambió su suerte fue la aparición del que sería su mentor, mánager, productor, escritor y profesor vocal, Buck Ram. Ram convirtió lo que no era más que un convencional grupo vocal de R&B y doo wop, en un conjunto de estrellas y uno de los más duraderos y lucrativos grupos musicales de todos los tiempos. Hacia 1954, Ram tenía ya una agencia de talentos en Los Ángeles, escribiendo y arreglando para la editorial Mills Music, dirigiendo la carrera de The Three Suns —un grupo pop con bastante éxito— y trabajando con sus protegidos, The Penguins. En principio, The Platters parecían ser una buena adición a este listado.

Tras desvincularlos de Federal, Ram los situó dentro del emergente sello nacional independiente Mercury Records, colocándolos automáticamente en el mercado pop a través de los exclusivos contactos de distribución de la compañía. Entonces, Ram comenzó a trabajar sobre las potencialidades y debilidades del grupo. Los primero que hizo fue colocar el peso vocal del grupo sobre los hombros de Tony Williams, cuya voz era próxima a la de un tenor. El poder emocional de Williams fue completado con un grupo (aumentado en aquel momento con Zola Taylor) que trabajaba envolviendo cada una de sus notas con un bien estructurado soporte vocal. Con las letras pop clásicas de Ram y la paleta sonora de los cantantes, el grupo se convirtió rápidamente en un éxito dentro del pop y del R&B, consiguiendo ser el primer grupo negro de la época en situarse en los primeros puestos de las listas de éxitos. Considerado el más romántico de todos los conjuntos doo wop, éxito tras éxito fueron cayendo de manera aparentemente fácil: "Only you", "The great pretender", "My prayer", "Twilight time", "Smoke gets in your eyes", "Harbor lights".

En 1961 Williams abandonó el grupo. Hacia finales de los años 1960, el grupo se había disuelto debido al deseo de proseguir con distintas versiones del conjunto por parte de sus integrantes. Hasta la actualidad se pueden contabilizar 125 versiones de The Platters.

Sus exitos......

https://www.youtube.com/watch?v=IJ5DBfxEBe0
https://www.youtube.com/watch?v=IEFF2WN0Svc

Si hay un instrumento que me fascina en el campo del jazz este es el organo Hammond y dentro de esta marca sin duda el B5 con el Leslie incorporado. Para mi uno de los máximos exponentes de este instrumento y junto con Jimmy Smith es Joey de Francesco.
Joey DeFrancesco (nacido el 10 de abril de 1971) es un organista de jazz estadounidense, trompetista y vocalista.  Es un artista nominado al Grammy que ha lanzado más de 30 álbumes, incluyendo grabaciones con Miles Davis y Jimmy Smith . DeFrancesco firmó su primer contrato discográfico a la edad de 16 años y ha tocado internacionalmente con músicos que  incluyen a David Sanborn , Arturo Sandoval , Larry Coryell , Frank Wess , John McLaughlin , Benny Golson , James Moody , Steve Gadd , Danny Gatton , Elvin Jones , Jimmy Cobb , George Benson , Pat Martino , John Scofield , Joe Lovano y grabó con músicos que incluyeron Ray Charles y Bette Midler .
Su padre, "Papa" John DeFrancesco , fue un organista que jugó a nivel nacional y recibió el Salón de Jazz de Jazz de la Fama Legend Award en 2013. DeFrancesco comenzó a tocar el órgano a la edad de 4 años e interpretaba canciones de Jimmy Smith literalmente a la edad de 5 años. Su padre John comenzó a llevarlo a conciertos a partir de esa edad. A la edad de 10 años, DeFrancesco se unió a una banda en Filadelfia que incluyó a los músicos de jazz Hank Mobley y Philly Joe Jones . Fue considerado un elemento en los clubes de jazz locales, abriendo los espectáculos de Wynton Marsalis y BB King . DeFrancesco asistió a la High School secundaria de Philadelphia para las artes creativas y de ejecución . Durante sus años de escuela secundaria, DeFrancesco ganó numerosos premios, incluyendo la Sociedad de Jazz de Filadelfia McCoy Tyner Scholarship. También fue finalista en el primer Concurso Internacional de Piano Jazz Thelonious Monk .

En vivo........

https://www.youtube.com/watch?v=7qwgC1y3gbQ
https://www.youtube.com/watch?v=wQ0lT05p1SI

La Passione es una película de 1996 drama británico escrita y producida por Chris Rea , dirigida por John B. Hobbs, y protagonizada por Sean Gallagher , Paul Shane y Shirley Bassey . La película se estrenó el 14 de noviembre de 1996 en el Festival de Cine de Londres BFI . La película cuenta con una aparición de camafeo por Rea, así como la misma banda sonora compuesta por él.
La película fue lanzada en cinco ciudades del Reino Unido el cine a partir del 16 de mayo de 1997. 
Es una historia de chico norte de 10 años de edad, hijo de un inmigrante italiano,que desarrolla una obsesión por el automovilismo.
Está basada en la vida real del piloto automovilista Wolfgang Von Trips , que murió en su sharknose Ferrari 156 en el Gran Premio de Monza en 1961. 
Con una banda sonora preciosa cuyo enlace al disco os pongo más abajo......

La B.S.O......

https://www.youtube.com/watch?v=UjUV4CVlcDY

La bossa nova es un género musical de la música popular brasileña derivado del samba y con una fuerte influencia del jazz.

En los inicios, el término se usó para designar una nueva manera de cantar y tocar el samba y vino a ser una «reformulación estética» dentro del moderno samba urbano carioca. Basándose en una instrumentación simple y un elegante manejo de las disonancias, desarrolló un lenguaje propio con un íntimo lirismo.¹

Tania Maria Alves Rego ( Río de Janeiro , el 12 de setiembre de 1953 ) es una actriz , bailarina , cantante y empresaria brasileña .

La actriz también actúa como empresario desde 1999 y es la madre de la actriz Gabriela Alves , con el que comparte  la administración de un spa en Nova Friburgo . Su trabajo más reciente fue la novela Araguaia , de Walther Negrão , en la Red Globo. 

Su disco Bossas e Boleros......

https://www.youtube.com/watch?v=x69_MjLK5W0

El fado es la expresión musical del alma de Lisboa. La palabra fado proviene del latín "fatum" que significa "destino".
La frustración y el fatalismo que surge en los arrabales humildes, en los ambientes tabernarios y portuarios de la ciudad se reflejan en una música melancólica y nostálgica.
El fado canta con tristeza lo que se fue, el imperio perdido, la patria que pudo ser, al hombre que perdió su gloria. Esto no es más que la historia de Lisboa, su alma cicatrizada, tan bien cantada por los grandes poetas Camoens y Pessoa.
Una de las representantes más genuinas de este tipo de música es sin duda MARIZA. Mariza es el nombre artístico de Marisa dos Reis Nunes (Maputo, Mozambique, 16 de diciembre de 1973), cantante de fados, una de las más populares de Portugal y una de las artistas lusas con más proyección internacional.
De padre portugués y madre mozambiqueña, Mariza nació en la freguesia de Nossa Senhora da Conceição en la antigua Lourenço Marques (en la actualidad Maputo), en aquella época capital de la provincia portuguesa de Mozambique y creció en el barrio lisboeta de la Mouraria, cuna del fado. Creció oyendo esta música en los diferentes locales lisboetas; cuando creció sus intereses musicales se ampliaron hacia el gospel, el r&b y la música brasileña. Mariza vivió unos cuantos años en Brasil; por entonces su interés por el fado era nulo, ella, al igual que la mayoría de jóvenes portugueses, detestaba el fado, al asociarlo con la dictadura de Salazar. Sin embargo, se dio cuenta en Brasil de que el fado formaba parte de su cultura, cuando la gente allí le pedía que les cantara fado

El concierto de Lisboa......

https://vimeo.com/201866719

Y para comenzar el año con alegría, os traigo un disco muy sabroso con ritmos calientes y música muy compacta. Se trata de “Blue Mambo”. El disco es el primero que lleva el nombre del grupo, dirigido por por el percusionista latino de Nueva York Victor Rendón y acompañado de un grupo de músicos veteranos con una gran experiencia en el campo de la música salsera y cuenta con canciones tradicionales así como composiciones originales.

Este disco cuenta con el talento de Chico Álvarez en la melodía clásica "Bilongo" y Anibal "Tito" Rivera (de la fama del Grupo Latin Vibe) en "Pare Cochero". Incluido en el CD está el original latino-jazz de Victor Rendon titulado: "Cafe Sin Leche".
Una pequeña joya de la música latina, bajo mi punto de vista.........

Enlaces a los temas que abre y cierra el disco.......

https://www.youtube.com/watch?v=-cIl0-2O1tk

https://www.youtube.com/watch?v=YIT-m_0VQLM

El CD...........

http://www.cdbaby.com/cd/bluemambo